Le Chantier

Actus

Juniore, groupe à part de la nouvelle scène française, prolonge les plaisirs de son deuxième album sorti en début d’année, le bien nommé « Un, deux, trois ». Depuis quelques heures, deux nouveaux titres inédits se disputent la vedette. Le romantisme exacerbé et épique de « Tes cheveux » répond au rock fiévreux et rythmé de « Un jour ou l’autre », le tout avec un sens esthétique combinant avec brio insouciance et élégance.

Peu de groupes français ont digéré avec autant de finesse et d’esprit l’héritage des sixties, des yéyés, tout en conservant une vision très anglo-saxonne de la pop. D’ailleurs, nous pourrions rapprocher Anna Jean, leadeuse du trio, de deux grandes musiciennes françaises indépendantes, Lætitia Sadier et Fabienne Delsol, dont les chemins artistiques sont avant tout passés par Londres, avec pour effet de complètement s’émanciper du poids de la variété française.

Par effet de miroir, il n’est pas étonnant de voir que Juniore connaisse un vrai succès en Angleterre. À tel point qu’un vinyle collector sortira de l’autre côté de la Manche, à la mi-janvier, autour du titre Wahili, interlude instrumental psyché et exotique, quelque part entre Broadcast et Pram.

Alors que certains observateurs s’arrêtent avant tout sur le positionnement esthétique très marqué de Juniore, ils en oublient tout le soin apporté à un travail sonore d’arrangements extrêmement fin, certainement influencé par les visions de musiciens arrangeurs comme Lee Hazlewood et Jean-Claude Vannier. La complicité artistique et musicale qui unit la batteuse Swanny Elzingre, le producteur Samy Osta et Anna Jean a d’ailleurs donné à Un, deux, trois une classe étonnante et une cohérence décisive.

Dans une année si particulière, Tes cheveux et Un jour ou l’autre sifflent une vraie prolongation pour Un, deux, trois en s’intégrant parfaitement dans son univers millésimé.

L’album Un, deux, trois de Juniore version bonus, est en écoute depuis le 11 décembre 2020, toujours sur le label Outré Disque.

Juniore se produira dès avril prochain pour une grande tournée européenne passant par Glasgow, Londres, Berlin…

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Laurent Thore

Actus

D’une certaine manière, les musiciens de STUFF. symbolisent la génération de jeunes artistes européens renouvelant actuellement avec beaucoup d’envie et de créativité l’imaginaire et l’esprit du jazz. Aux côtés de figures comme Matthew Halsall, GoGo Penguin, The Comet Is Coming, The Heliocentrics, Sons of Kemet… ils dessinent les contours d’une musique libérée des frontières habituelles de styles, aux confluents du jazz bien sûr, mais aussi de l’electronica, du hip-hop, du funk, du math rock, de l’ambient… Nouvelle preuve avec l’expressivité baroque et enlevée de leur dernier titre en date, « Cumulus », sublimé dans un clip abstrait et intriguant, soulignant à merveille le pouvoir évocateur d’une complicité musicale détonante.

© Alexander Popelier

De par sa situation culturelle et géographique, la Belgique est depuis longtemps un carrefour prolifique et dynamique de diversité musicale, avec cette manière si particulière d’assimiler et de digérer de multiples influences extérieures. En matière de jazz, la scène belge regorge, à l’image du rock alternatif, de groupes aventureux et innovants. Nous pourrions citer : Black Flower dans une veine éthio-jazz au groove délicieux, TaxiWars et son cabaret jazz hip-hop bigarré, De Beren Gieren et ses envolées instrumentales, élégantes et oniriques (en route d’ailleurs vers un album très attendu pour 2021, Less Is Endless, sur le même label que STUFF.).

À Anvers, s’écrit depuis 7 ans maintenant l’histoire de STUFF.. Le quintet s’est structuré autour des sensibilités musicales complémentaires et gourmandes de Lander Gyselinck à la batterie, de Dries Laheye à la basse, de Mixmonster Menno aux platines, d’Andrew Claes et son instrument à vent électronique (EWI) et de Joris Caluwaerts aux claviers. Sa musique se distingue ainsi par une richesse de timbres et de textures sonores, combinant à merveille et avec beaucoup de feeling une approche très organique du jeu en groupe, avec une maîtrise très avancée des possibles de la technologie. En quelques albums dont le très remarqué Old Dreams, New Planets, STUFF. est devenu un véritable phénomène, capable de rendre dingue de fins mélomanes comme Gilles Peterson ou Phil Taggart tout en permettant à leurs compositions exigeantes, ambitieuses et rappelons-le, purement instrumentales, d’avoir un vrai succès public, tout du moins en Belgique.

À travers Cumulus, STUFF. s’ouvre les voies de nouveaux espaces de jeux, en développant une sorte de funk mutant et percussif, descendant illégitime du groove post-punk du gang féminin ESG et de la disco cérébrale d’Arthur Russell. Les Belges invoquent dans ce morceau emballant et sans se renier, le dynamisme compulsif de Squarepusher, le côté cosmique de Flying Lotus, les déviations climatiques de PVT et même l’inventivité sonore de Tortoise. Une façon peut-être de voir chez eux l’influence décisive du label Warp Records (mais certainement pas exclusive), sur lequel sont signés tous ces artistes.

Influence qui dépasse peut-être d’ailleurs le simple cadre de la musique à l’image de leur nouveau clip tant le label anglais a aussi imposé depuis la fin des années 80, dans la sphère des musiques indépendantes, une ligne graphique propre et un univers emblématique, sous l’impulsion de l’entité The Designers Republic et de son fondateur, Ian Anderson. Pour présenter un premier extrait de leur futur album, le groupe STUFF. a choisi de travailler avec l’artiste multimédia Frederik Jassogne. Pour cette vidéo, il a opté pour une mise en mouvement des éléments picturaux du tableau Composition de Guy Vandenbranden, exposé au musée des Beaux-Arts d’Anvers, pour un résultat faussement simple. Cette déclinaison colle complètement à l’esthétique abstraite et foisonnante du morceau Cumulus. Voilà une mise en bouche parfaite, pour attendre la sortie de leur 3ème long format d’ici la fin de l’hiver, sous le titre à tiroir de T(h)reats.

L’album T(h)reats paraîtra le 12 mars 2021 sur le SDBAN Records.

Si vous voulez vous imprégner de l’ouverture musicale des membres de STUFF., ceux-ci ont mis en ligne depuis quelques jours une playlist étonnante de 50 titres représentant le champ immense de leurs inspirations multiples et sans tabou.

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Laurent Thore

Actus

Le premier se nomme Enguerran, il est le batteur. Il est celui par qui la vie jaillit du sol et se transforme en pulsations irrésistibles. Le second se nomme Lancelot, il est le guitariste. Il est celui par qui la foudre pénètre les vibrations des cordes, et se transforme en électricité sauvage et jubilatoire. Ils forment le duo Bafang. Fiers de leur premier album fraîchement sorti dans les bacs, les deux rockeurs activent toute la puissance de leur rock incandescent dans le clip d’Ibabemba, vidéo inventive, foisonnante de couleurs, de culture et d’esprit.

Le titre de leur LP, Elektrik Makossa, est un clin d’œil évident à la figure tutélaire de Manu Dibango, véritable emblème et fierté du Cameroun, le pays de leurs grands-parents. Leur illustre aîné débarque très jeune à Marseille en 1949, il se fraye ensuite un chemin dans les clubs de jazz de la capitale en compagnie d’un autre des acteurs de la diaspora artistique camerounaise en France, Francis Bebey. Curieux de nature, et avant tout amoureux de la musique avec un grand M, il s’ouvre au mambo et à la biguine antillaise, se frotte au rock naissant avec Dick Rivers, et même au rhythm ‘n’ blues afro-américain en devenant le chef d’orchestre de Nino Ferrer.

Bien des années plus tard, sur les côtes normandes, depuis Caen, à sa manière, la musique de Bafang est devenue également un joyeux creuset culturel et cosmopolite, façonné par les rencontres et les expériences musicales. Elle reste foncièrement rock dans l’âme, si tant est que le rock ‘n’ roll reste avant tout un état d’esprit plutôt qu’une posture. Sur Ibabemba, dans le son comme dans l’image, le rock ‘n’ roll s’embrase ainsi comme la guitare de Jimi Hendrix. Il rentre en fusion comme les éruptions volcaniques de Rage Against the Machine. Mais il reste libre et se moque des frontières : fier de son métissage vibrant, il est joyeux et volontaire. Il revendique aussi bien ses propres racines à l’image de celui de l’immense musicienne haïtienne Moonlight Benjamin, que l’héritage de Led Zeppelin, de Muddy Waters et de Sister Rosetta Tharpe. Il n’oublie jamais que la danse est au cœur de la vie, et qu’il doit toujours s’adresser aussi bien au corps qu’au cœur de l’humanité.

Si le rock américain est la musique du diable, elle devient ici la musique du Njounjou, cet esprit du mal et de la méchanceté qui pénètre l’esprit des hommes quand ils recouvrent leurs visages en choisissant le mauvais masque.

Pour résumer, nous pourrions entendre et percevoir à travers Ibabemba, une délicieuse métaphore philosophique, ensoleillée et colorée de la vie en général, cette mise en scène de la lutte interne et éternelle de la condition humaine, incitant chacun à lutter contre ses propres démons, assumer ses propres choix, pour trouver le chemin de la liberté et de l’émancipation.

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https://bafang.bandcamp.com/album/elektrik-makossa


L’album Elektrik Makossa est disponible depuis le 27 novembre 2020 sur le label Soulbeats Records.

Laurent Thore

Actus

En route vers son deuxième album ! Le musicien indé Magon met en scène un personnage moitié homme moitié lézard dans un étonnant clip surréaliste, soulignant à merveille les soubresauts mélodiques et la poésie kafkaïenne de son nouveau tube héroïque, « Aerodynamic », fortement marqué par l’empreinte des Pixies. Avec beaucoup de maîtrise et d’envie, il démontre aisément qu’il faudra compter avec lui en 2021 en matière de rock indé.

Selon le psychologue du développement, l’américain Howard Gardner, il existe plusieurs formes d’intelligence, souvent niées par l’école d’ailleurs. Le punk l’avait bien compris en permettant la revanche des cancres et des derniers de la classe. Dans le cas de Magon, s’impose une intelligence mélodique hors du commun, de celle des élèves brillants de la classe « songwritter », la même qui habite Frank Black, Jason Lytle et autres H-Burns.

Sous des airs simples et évidents, un titre comme Aerodynamic active tous les voyants, qu’il se nomme grunge, noisy pop, garage rock, folk alternatif, dans ce jeu extrêmement fin entre angélisme pop et libération électrique bruitiste. Nous constations également il y a quelques semaines, les éléments de l’évolution de cette grande promesse indie, en évoquant des figures comme Jeffrey Lewis et Adam Green. Magon partage avec eux, ce sens créatif, cette capacité à mobiliser le moindre interstice, la moindre émotion, cette vie intérieure pour en faire une chanson redoutable et imparable. La poésie faussement absurde et décalée de ses paroles (peut-être influencée par les préceptes de la beat generation ?) se confond totalement dans la mécanique narrative à tiroir totalement décomplexée de ce clip artisanal, réalisé par Magon lui-même.

« Your head is special
Aerodynamic
You split the ocean
Onto a sanctuary
Your favorite honey
So transcendental
In ceremony
You leave me lonely »


« Ta tête est spéciale
Aérodynamique
Tu ouvres l’océan
Sur un sanctuaire
Ton miel préféré
Tellement transcendantale
Pendant la cérémonie
Tu me laisses seul »

L’album Hour After Hour de Magon sortira le 29 janvier 2021 sur le label December Square et distribué par Differ-Ant.

https://www.facebook.com/magonmusic/

Laurent Thore

Actus

La quête identitaire qui semble être le fil conducteur de Klô Pelgag depuis ses premiers pas discographiques en 2012, et plus encore depuis son premier album fondateur, l’Alchimie des Monstres, en 2013, atteint aujourd’hui une forme de paroxysme créatif, avec la ferveur expressive et l’activité chorégraphique du clip de « Mélamine », morceau phare et emblématique de son splendide 3ème album, Notre-Dame-des-Sept-Douleurs. Au-delà d’être un phénomène de liberté et de passion, la musicienne québécoise déroule un étonnant chemin entre sa culture francophone et un appétit musical largement influencé par la musique anglo-saxonne.

Comme beaucoup d’artistes québécois, Klô Pelgag est certainement perçue en France comme un exotisme, une sorte d’extraterrestre, dont nous comprenons la langue mais pas vraiment le sens de sa poésie imagée et sinueuse. Nous approchons peut-être un peu trop d’ailleurs sa musique avec le filtre de l’héritage de la chanson française, avec la loupe grossissante de la machine à normaliser qu’est la variété. Pourtant d’une certaine manière, Klô Pelgag est bien plus proche artistiquement de l’immense Shara Worden (désormais Shara Nova) alias My Brightest Diamond, musicienne américaine à l’imagination débordante, à la musicalité exceptionnelle, que du classicisme élégant et sensible de Juliette Armanet. La proximité géographique et par extension, culturelle, certainement.

Les doutes, les insomnies, les cauchemars, les incertitudes de l’existence ont souvent été les éléments moteur de la musique et de la créativité de la québécoise, et plus que jamais de Mélamine, sorte de dialogue intérieur conflictuel et combatif, parfaitement mis en images dans une étonnante mise en scène surréaliste de la talentueuse réalisatrice Soleil Denault. D’une certaine manière, appuyé par la puissance des symboles de l’image, Mélamine devient un intense cri du cœur face aux injonctions permanentes adressées aux femmes, dans nos sociétés occidentales et capitalistes, à se fondre dans un moule et dans certains stéréotypes.

Si Klô Pelgag assume et active l’ambivalence des ressorts créatifs de son côté enfantin, et même de sale gosse comme elle aime à le rappeler dans certaines interviews, elle est aussi pleinement femme, au-delà des clichés usuels du genre. Elle revendique son droit d’être la femme qu’elle est réellement, à sa manière, mais aussi celle qu’elle peut être selon les moments de sa vie, des plus sombres aux plus heureux. À l’image de ses nombreuses transformations artistiques, elle affiche avec éclat toutes les nuances de sa personnalité mouvante, complexe et sensible, comme a pu le faire avant elle Björk ou Karin Dreijer alias Fever Ray (The Knife), sous la carapace de l’exubérance et de la flamboyance.

Bien sûr, si l’album Notre-Dame-des-Sept-Douleurs nous avait dans un premier temps captivé par son instrumentation, il prend encore plus de valeur, à travers le message émancipateur, sublimé par la vivacité de ce nouveau clip particulièrement parlant et intelligent, loin de tomber dans les affres d’un discours figé et convenu.

L’album Notre-Dame-des-Sept-Douleurs de Klô Pelgag est disponible en physique, en digital et en streaming depuis le 26 juin 2020, via Les Faux Monnayeurs et Secret City Records.

Retrouvez Klô Pelgag sur Facebook, Instagram, Twitter et sur www.klopelgag.com !


Klô Pelgag sera en tournée française au printemps 2021 :

11/03/21 – Cenon (33) – Le Rocher de Palmer
12/03/21 – Arcueil (94) – Théâtre Jean Vilar
13/03/21 – St Berthevin (53) – Le Reflet
15/03/21 – Paris (75) – Festival Avec le Temps – La Maroquinerie
16/03/21 – Nantes (44) – Salle Paul Fort
17/03/21 – Brest (29) – Le Vauban
19/03/21 – Marseille (13) – Festival Avec le Temps
20/03/21 – Montpellier (34) – Le Jam
25/03/21 – Meylan (38) – Maison de la Musique

Laurent Thore

Actus

L’univers foisonnant de Yes Basketball est sans doute la résultante des fantasmes musicaux accumulés de son géniteur, l’artiste indépendant Pierre Marolleau. Activiste créatif au cœur de nombreuses connexions artistiques reliant les différentes zones d’influences des scènes alternatives hexagonales, il semble aujourd’hui encore plus qu’hier, avide de nouvelles expériences, malgré son statut de figure indie acquis au sein des excellents Fordamage ou encore au cœur de My Name Is Nobody. Il pousse ainsi le curseur encore plus loin avec son premier LP, Goodbye Basketball, sous son nouvel alias. Ce disque traduit de manière implicite et avec beaucoup d’intensité, l’énergie chaotique du monde actuel, à travers une musique foncièrement hybride et viscéralement urbaine.

© Yoann Buffeteau

Goodbye basketball est avant tout un album versatile, tout en tension, aussi cogneur que séducteur. Il combine avec beaucoup d’audace et de fluidité, le côté implacable de la noise, l’impact percussif de la musique indus, le groove du hip-hop et les digressions formelles du math rock, le tout en laissant sous le vernis poisseux d’une certaine radicalité sonore, émerger les marqueurs de la pop.

Dans la discothèque bordélique et pas forcément idéale de cet aventurier joueur, doivent se croiser des disques cultes et bruitistes de Cop Shoot Cop, Bästard (avis aux puristes ?), Can, les œuvres solo de Mark Hollis, les mixtapes détonantes de Moodie Black, un certain esprit bouillonnant et DIY à la française si présent chez Marvin, Binidu ou Electric Electric, le lyrisme exacerbé de quelques groupes américains pas vraiment comme les autres à l’image de Battles et de Deerhoof, une dose de musiques extrêmes bien épaisses façon Relapse Records (Plan B, Realize, Zonal, Unsane…) et même quelques références signées Nick Cave, des plus obscures aux plus emblématiques.

Concrètement, entouré de quelques flibustiers remarquables de la cause indé qu’il a débauchés de leurs navires respectifs (Bantam Lyons, Totorro, Trunks…), Pierre Marolleau trace un chemin parallèle, comparable à celui des suisses de Puts Marie pour cette capacité à se débarrasser des convenances et à se jouer des conventions, le tout en maintenant le cap d’une vraie cohérence, appuyée par un certain sens de la mise en scène, une certaine théâtralité.

Tout au long de Goodbye Basketball, les étapes se suivent et ne se ressemblent pas. New Shit 1, la première pièce du puzzle est absolument parfaite dans son rôle introductif, tant elle ouvre à la fois les possibles sans imposer de murs volontairement abrupts et rétifs, tout en ne mentant pas sur la matière sonore exacerbée à venir.

Son clip ajoute une véritable dimension augmentée dans la perception de la musique de Yes Basketball. Il amplifie, au travers de parti-pris esthétiques et colorés, la sensualité intrinsèque de la mécanique rythmique à plusieurs niveaux de Yes Basketball, et plus encore, son rapport charnel et physique à la musique, au point d’évoquer la métaphore de la jouissance sexuelle, comme une sorte de contre pied salvateur et décalé face à la standardisation des esthétiques « porn chic » en vogue dans le champ des musiques actuelles. Encore une preuve de la dynamique collective, qui entoure la création de Pierre Marolleau, puisque cette réalisation vidéo singulière est l’œuvre d’un proche complice, en la personne de Michel Le Faou. Il active d’ailleurs avec lui l’entité Mamoot, quartet de math rock cinématique très puissant à destination du jeune public, au sein duquel on retrouve également le graphiste de la sublime pochette de Goodbye Basketball, Yoann Buffeteau, à posséder de toute évidence en vinyle !

Il faut être quelque part un peu masochiste pour revenir encore et encore sur ce disque exigeant et dense, même si, à force d’abnégation et d’implication, le plaisir devient réel, jubilatoire, intense. Par son côté industriel et bruitiste, (quelque part très new-yorkais par procuration), l’ensemble se transforme en une passionnante plongée immersive dans les interstices rugueux et abrasifs de l’asphalte et du béton, animé par une sorte d’imaginaire cyber-punk rétro-futuriste, fouillant les poubelles des bas-fonds sales et pervertis de la ville, symbole ultime de la modernité.

Le LP Goodbye Basketball de Yes Basketball est disponible depuis le 13 novembre 2020 via Les Disques Normal et A Tant Rêver du Roi.

Laurent Thore